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Tame Impala: Sonidos vitales

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Lo que comenzó como un suave riachuelo corriendo entre las piedras, ahora se ha transformado en un potente y ruidoso río que llega y llena los mares. Nos referimos a Tame Impala, la banda australiana encabeza por Kevin Parker, que en menos de 10 años, se ha posicionado como la banda más reconocida y solicitada del rock a nivel mundial. ¿Pero cuáles son las razones de su éxito? A continuación, enumeramos algunas.

Claves sonoras

La palabra clave para entender lo atractivo del sonido de Tame Impala es: experimentación. Y es que la experimentación, como algo ineludible a la hora de crear, y la búsqueda de un algo sin saber exactamente qué, es lo que ha logrado que los sonidos emanados de guitarras, máquinas y la cabeza de Parker, se hayan traducido en una serie de canciones que, lejos de seguir el formato clásico de canciones pop, pareciera moverse más por el sendero de las sensaciones, los cambios en los paisajes sonoros y las mezclas de diferentes estilos musicales.

Es esta versatilidad lo que más vida le ha dado a la carrera de esta banda, luego de tres discos larga duración y varios EP lanzados. Pues cuando parecían haber logrado dar con los sonidos que más eran disfrutados por sus seguidores, en especial en sus dos primeros álbumes: Innerspeaker (2010) y Lonerism (2012). En su tercer disco, Currents (2015), hacen un quiebre en lo sonoro para adentrarse más en sonidos pop, relegando las guitarras a un segundo plano, sin que ello perjudique su marca registrada, y a estas alturas, modo de sentir la música: la experimentación.

Claves visuales

Si la experimentación sonora queda de manifiesto en las distintas canciones de Tame Impala a través de su trabajo discográfico, en lo visual, no se han quedado atrás. Echar un vistazo a los videos musicales de Tame Impala puede ser igual de fascinante.

En sus videos se puede apreciar un elemento en común, el desarrollo de una idea psicodélica muy similar a la que se buscaba en los años 60 por parte de la contra-cultura, con una alta presencia de elementos visuales atractivos y luminosos; fractales, espirales, y elementos espaciales. Quizás, aparte del sonido tan característico de la banda, esta sea la otra razón por la cual muchos los cotalogan dentro de la categoría de rock psicodélico, pues su propuesta no solo se desarrolla en las vías de lo que los sonidos pueden entregar, sino que también se expande y profundiza, aún más, a través de los elementos visuales que acompañan a muchos de sus singles, generando atmosferas novedosas y misteriosas con elementos existentes desde hace mucho tiempo, desde fianles de los años 60,  pero que habían sido olvidados en la actualidad por fórmulas más simples y aceptadas por las masas.

El todo, más que las partes

Quizás lo que mejor resume el trabajo de Tame Impala es que la suma de todos los elementos es mejor que las partes.

Tame Impala no es solo una banda o la idea expresada en sonido de su líder, Kevin Parker, es una propuesta completa, sonora y visual, e incluso, con el suficiente poder de influir en la cultura, las costumbres y los sonidos actuales. Es de ese tipo de bandas que luego de aparecer, hace que miles de bandas más florezcan inspiradas por las fórmulas creativas expresadas por sus sonidos.

A Tame Impala no solo hay que agradecerle darle nuevos aires al rock y la música en general, hay que agradecerle el rescate de elementos propios de los 60 y 70; como ese afán puro por experimentar que movió a toda una generación en movimientos por la paz, la justicia y la música. y que de un día para otro, fueron sepultados por el capitalismo y sus correspondientes altas dosis de individualismo y materialismo.

Si no ha escuchado Tame Impala, dele una oportunidad, es mucho más que una banda, es música para todos los sentidos. Kevin Parker ha abierto una puerta hacia un sendero que tal vez todos deberíamos recorrer.

Por Pablo Mirlo

Publicado en Revista Pluma Roja Octubre 2016


El arquitecto del sonido – Parte 2

En el artículo anterior hablamos sobre el proceso creativo que experimentó el músico argentino Gustavo Cerati a comienzos de los 90 y en cómo eso repercutió tanto en su carrera solista como junto a Soda Stereo. En esta oportunidad, abordaremos el periodo entre el álbum Confort y música para volar (Soda Stereo) y su último álbum de estudio Fuerza Natural y veremos cómo las sonoridades involucradas en su trabajo, en vez de ir desapareciendo con el paso de los años, se convirtieron en su marca registrada. Acompáñenos.

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Confort y música para volar (1995)

Llevaba años entre los ejecutivos de la cadena de música MTV la idea de poder invitar a Soda Stereo a ser parte de su afamada serie de conciertos desenchufados MTV Unplugged. Sin embargo, el trío argentino se negaba a participar, tal vez por el hecho de tener que sonar en formato totalmente acústico, siendo que su potencia y despliegue creativo, como ya hemos apuntando en el artículo anterior, se centraba principalmente en las atmosferas sonoras creadas a través de pedales de efectos, sintetizadores y demases juguetes sonoros. Sin embargo, luego de muchos intentos, en septiembre de 1996, el deseo de los mandamases de MTV finalmente se cumplió, y Soda Stereo entraba a los estudios de MTV en Miami, EE.UU para registrar una de sus presentaciones más aclamada y recordada.

Pequeños grandes detalles

Una de las razones de lo histórica de su presentación para MTV es que, pese a ser parte de la serie de conciertos desenchufados, si hubo algo en lo que no escatimaron, fue en cables, guitarras eléctricas y sintetizadores. Al parecer, solo estuvieron dispuestos a ser parte del proyecto si podían traer más sonoridades a su presentación y, tal vez, bajar un poco la velocidad de las canciones, algo que, claramente, se duda, luego de la estruendoso final del concierto con el cover de la banda argentina Vox Dei, Génesis que resultó en un deleite para los amantes del rock progresivo. El resto de las canciones, simplemente, superaron con creces las expectativas. La versión sublime de En la ciudad de la furia interpretada en compañía de Andrea Echeverri de Aterciopelados, solo vino a demostrar que solo alguien como Cerati podía reversionarse y sonar incluso mejor que el producto original. Con Ángel eléctrico y Un misil en mi placard pasa algo parecido. La versión de la primera suena muchísimo mejor que la versión del álbum lanzado apenas un año antes, y la versión de la segunda, suena totalmente renovada. Y es que eso tenía Cerati, la capacidad de convertir una canción que ya era buena, en algo totalmente extraordinario. En el caso de Un misil en mi placard, se puede establecer un claro ejemplo entre la evolución y la curiosidad constante del artista por la búsqueda de nuevas sonoridades, dado que en la versión de los 80 se aprecia sus marcadas primeras referencias musicales que, como el mismo reconoció en algunas entrevistas, tenían más relación con el reggae que con el rock propiamente tal.

Es por todo esto que el valor de este álbum es gigante, pues ofrece un sonido nuevo pese a contener canciones ya conocidas. Además, es clave en la carrera de Soda Stereo, pues marca, a mi parecer, el broche de oro a una carrera musical que, a esas alturas, ya los tenía encumbrados en la historia del rock en español.

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Bocanada (1999)

Corría el año 1999, ya habían pasado 2 años desde el fin de Soda Stereo, y Gustavo Cerati aparecía desde las sombras con un álbum complejo, intrincado, experimental y rico en lo sonoro: Bocanada.

Si antes Cerati ya había experimentado con sonidos electrónicos, fue en Bocanada donde desplegó toda su capacidad experimental en la producción de un álbum que lejos de sonar como un recocido de su etapa con Soda Stereo, sonaba fresco y novedoso.

Canciones como Tabú, con su incesante bajo repitiéndose como un mantra. Bocanada y su ritmo cadencioso o Puente, que es de esas canciones que sientes que solo en lo sonoro ya le dice algo a esperanzador a tu espíritu, nos mostraban ese hambre inquieto de Cerati de no quedarse a dormir en los laureles del pasado y enfrentar de cara esta nueva etapa en lo musical, donde todo estaba permitido.

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Siempre es hoy (2002)

Siempre es hoy siguió la tónica de la experimentación, y es que Cerati destacó en su carrera por no volver atrás o quedarse haciendo canciones que le dieran de comer o que le garantizaran esa cosas que tantos artistas persiguen y que los hace incluso traicionarse a sí mismos con tal de conseguir el éxito. No, Cerati no se hizo responsable de las viudas de Soda Stereo, ni tampoco prestó oídos a aquellos que lo encasillaban como otro “pop star” y que solo estaba preocupado de las máquinas y no de las guitarras. Cerati fue un rockero con todas las de la ley y lo demostró tocando y haciendo canciones que quizá, en lo sonoro, no eran de “rock”, pero en la actitud, claro que sí. ¿Acaso alguien puede dudar de la actitud rockera de Sulky? Una canción que a uno le recuerdan esos viejos ídolos a los que Cerati confesó admirar: Atahualpa Yupanqui, Mercedes Sosa. Y es que Gustavo supo distinguir el rock entre las composiciones de estos gigantes del folklore sudamericano y adaptarlo a su trabajo. Qué decir de Vivo, la canción favorita del artista. En ella se despliega otro homenaje en lo sonoro a sus artistas favoritos como Led Zepelin y por qué no decirlo, también algo Floydiano y Guilmoriano en esa guitarra, el resultado, una canción que se convierte en leyenda.

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Ahí vamos (2006)

Sin embargo, luego de años experimentando en lo electrónico y con ciertos coqueteos con el rock más formal en sus previos trabajos, fue en Ahí vamos donde Cerati, finalmente, logró cerrar la brecha existente entre los antiguos seguidores de Soda Stero y los nuevos seguidores de su carrera solista.

Para cerrar la brecha decidió volver al rock más crudo, las máquinas electrónicas pasaron a un segundo y tercer plano, y en el plano escrito, sus letras se grabaron como fuego en muchos nuevos y antiguos fanáticos.

Crimen enmarcó de manera majestuosa la metáfora de aquellos amores que se terminan y de los cuales solo quedan un montón de preguntas sin resolver. Adiós nos enseñó que saber aceptarlo es una forma de crecer y Lago en el cielo, con su sonoridad onírica, nos enseñó el lugar al que aspirar y llegar a descansar o escapar luego de exponer nuestras almas a las heridas y golpes de la vida.

Sin duda, Ahí vamos se convirtió en un álbum bisagra en la carrera de un artista que parecía sentirse cómodo en el cualquier tipo de estilo, ya fuese este electrónico o más rockero. Él podía salir y entrar de cualquier tipo de música y no perder su estilo propio en el proceso.

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Fuerza natural (2009)

Y finalmente llegamos al final de su obra: Fuerza natural. Se trata del álbum que el artista mismo reconoció, una vez publicado, era un trabajo con el que se sentía contento y realizado ya que si fuese su último álbum, cumplía con todas sus expectativas. En el fondo sentía que podía morir tranquilo luego de su publicación. Quién imaginaria que esas palabras resultarían ser proféticas luego de sus accidente cerebrovascular en mayo de 2010 y posterior deceso el 4 de septiembre de 2014.

El álbum pareciera ser un resumen de toda la carrera del artista en lo sonoro. Hay un pedacito en cada canción que recuerda sus años previos. Quizá por eso sentía que era su obra cumbre. Canciones como Magia dan cuenta de esa incasable búsqueda de nuevas sonoridades y es qué ¿cuántos instrumentos podemos identificar en esa canción? Cactus, en una parada más acústica y reflexiva da cuenta de sus experiencias vinculadas con plantas enteógenas en sus pasos por México. Y Convoy, con esa voz como sacada de un sueño que recuerda a clásicos como #9 dream de John Lennon, es verdaderamente un viaje por las estrellas en lo sonoro y lírico.

Gustavo Cerati logró en el espacio un poco más de un cuarto de siglo cambiar el mapa sonoro de todo un continente. Su música sigue influenciando a muchos nuevos artistas y músicos que quizá inspirados luego de verlo en el MTV Unplugged se decidieron a colgarse la guitarra y comenzar una banda. Las sonoridades de este artista y su experimentación lo ubican entre los más grandes del rock mundial.

Yo siempre he dicho que si Cerati hubiese nacido en Inglaterra o EE.UU tendría un lugar reservado entre los más grandes de la música a nivel mundial, ahí al ladito de Hendrix, Cobain o Bowie. Sin embargo, nació en Sudamérica, en Argentina, y eso no lo hace menos importante, es mas, lo hace más especial, pues sentimos como propio su legado y la ruta que nos marcó a seguir, quizá sin proponérselo, pero eso hacen los grandes, marcan las épocas e influyen en los pueblos con su talento, sin quizá muchas veces buscarlo ni planearlo de antemano.

Gustavo Cerati, sobre todas las cosas, fue un arquitecto del sonido. He ahí su gran legado, como marcara otro grande, Charly García. Hizo del sonido su especialidad y en ello desplegó su infinita capacidad de hacernos viajar al escuchar sus canciones, como el mismo cantara, sin movernos de aquí.

Sea donde sea que este, de seguro sigue creando sonidos que alguna vez bajaran a los oídos de los atentos, es cosa de esperar, tal vez, como cantara en Puente: un día más.

Por Pablo Mirlo

Publicado en Revista Pluma Roja Junio 2016

Para más, visite revistaplumaroja.wordpress.com


El arquitecto del sonido Parte 1

“Gustavo Cerati fue un arquitecto del sonido”

Charly García

“Ella durmió al calor de las masas, y yo desperté, queriendo soñarla…” ¿Quién no conoce aquellos ya clásicos primeros versos de la canción De música ligera de Soda Stereo? Cuando la canción fue publicada como el segundo sencillo del álbum Canción animal, por allá por 1990, pocos tenían dudas de que sería el himno definitivo del rock en español, y por ende, la marca registrada de Soda Stereo, y así fue. La canción escaló rápidamente los primeros puestos de los rankings radiales, y el álbum siguió una suerte similar, vendiéndose como pan caliente en todas las disquerías de Latinoamérica. Soda Stereo, se graduaba con éxito en la arena de la masividad. Sin embargo, pese a este rápido ascenso, para mí –no más que un mero fanático de la música, y el rock en particular–, no me dejaba de parecer nada más que una canción pegajosa dentro del amplio repertorio de Soda Stereo, nada especial. No sería sino recién hasta bien entrados los años 2000 que, mi percepción de Soda Stereo, cambiaría.

Luna roja, Primavera 0, Toma la ruta, En remolinos, Planeador, Paseando por Roma, Claroscuro y Ella uso mi cabeza como un revolver, fueron algunas de las canciones que cambiaron toda mi opinión de la música de Soda Stereo y que me invitaron a hundirme en el fenómeno de la banda y, posteriormente, en la carrera solista de Gustavo Cerati. Carrera solista que, ahora comprendo bien, era la única salida para todo el universo sonoro que revoloteaba por la cabeza del músico y que en Soda Stereo, pese a su grandeza, no lograba encausar en su totalidad.

Benditos años 90
Decir que la creatividad de Gustavo Cerati en los años 90 estaba por los cielos, es poco. El músico argentino viajaba un millón de años luz hacia el futuro y regresaba con sonidos, ideas y arreglos en sus composiciones dejando en claro que no pasaría desapercibido y que, su creatividad, estaba a tope.

Luego del lanzamiento de Canción animal, por parte de Soda Stereo y su arrollador éxito, la banda lanza en 1992 el álbum titulado Dynamo, un álbum tan impresionante en su producción, que si usted lo escucha hoy día, notará que pareciera ser un disco que fue lanzado ayer mismo al mercado. Así de vanguardista y arriesgado fue su producción, sonido y propuesta. La gira que lo sucedió no se quedó atrás, y es por muchos afirmado que fue por lejos el periodo más espectacular de la banda, con conciertos a todo volumen y un baño sonoro que hacía de la experiencia en vivo, algo surreal y psicodélico nunca antes visto en la banda.

Sin embargo, pese a la genialidad de Dynamo y su correspondiente gira, cabe preguntarse cuánta influencia habrá tenido en su gestación el trabajo realizado por Cerati y el músico argentino Daniel Melero a comienzos del mismo año 1992 en otro álbum titulado Colores santos. Este álbum es de vital importancia en la carrera de Cerati, pues marca la primera experiencia oficial fuera de la maquinaria que era Soda Stereo en ese momento y, además, nos brinda un primer vistazo a toda la paleta de colores sonoros que el músico argentino estaría dispuesto a explorar en los siguientes 19 años. Si bien el álbum no tuvo una gira oficial, ni gozó de una gran promoción, Gustavo sí se encargó, a través de su carrera solista, de interpretar siempre varias de las canciones grabadas de en aquel trabajo, que para muchos hoy en día, es una obra de culto dado los estilos musicales abordados, las temáticas de las letras de las canciones y la exploración sin límites llevada adelante por Cerati y Melero.

colores

Es por esto que me parece innegable obviar en este periodo de la carrera de Gustavo la asociación existente entre Colores santos, Dynamo y el primer álbum oficialmente solista que lanzó el año 1993: Amor amarillo. Dado que, como bien dijera en alguna entrevista el mismo Cerati, todos estos álbumes no eran sino el resultado de un germen que ya se estaba manifestando con antelación en Canción animal: el germen de la experimentación.

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Y es que en los noventa, la música de Cerati ya deja de ser algo simple, y la constante búsqueda del músico lo lleva a experimentar diferente arreglos. Entre ellos se cuentan una mayor utilización de sonidos computarizados, la inclusión de diversos efectos de guitarra y baterías en sus canciones, sin que estas se vean afectadas por tantos detalle, al contrario, su música se convierte en un verdadero espectáculo pirotécnico para los oídos. El sonido hipnótico, por ejemplo, de Rombos en Amor amarillo es una clara invitación a dejarse volar por los sentidos y sensaciones. Pulsar se convierte en un verdadero viaje acústico. Y qué más se puede decir que no se haya dicho antes del gran cover de la canción Bajan de Luis Alberto Spinetta realizado por Gustavo Cerati. Claramente Gustavo estaba dispuesto a tributar a unos de los más grandes de la música argentina y no morir en el intento. Es más, de paso, logra que muchas cabezas se giren a mirar lo que estaba haciendo y que ya no lo vieran simplemente como el líder Soda Stereo y el creador de De música ligera. El músico presentaba sus credenciales de genio y lo hacía con propiedad.

De ahí en más las cosas nunca fueron las mismas. Soda Stereo nunca volvió a sonar como en los ochentas, y en buena hora fue así. El viaje experimental de Gustavo Cerati en lo individual influía de manera poderosa en los rumbos sonoros que ahora tomaba Soda Stereo y que alcanzarían un maravilloso final y expresión en su último álbum de estudio: Sueño Stereo.

Sueño Stereo, lejos de ser un título presuntuoso, era respaldado fielmente por una amalgama de sonidos, arreglos y composiciones que de verdad lo convertían en un verdadero sueño sonoro. Disco eterno perfectamente podría sonar eternamente y no agotarnos nunca. Crema de estrellas y ese final tan Beatle testificaba de aquellas tempranas inclinaciones musicales de Cerati. Y Ella uso mi cabeza como un revolver dejaban en claro que el músico ya estaba en un nivel totalmente superior en cuanto a creatividad de se trataba, tanto en lo musical como en lo expresado en sus letras.

En este etapa, se puede decir que los discos y las composiciones ya no iban tan dirigidos hacia las masas –si es que alguna vez lo planificaron así como banda– ahora solo sonaban como la música que ellos les gustaría escuchar. ¡Y qué bien sonaban!

Nunca un disco llevó tan bien puesto su nombre como su último trabajo: Sueño Stereo.

Pero aún faltaba más…

En el siguiente artículo abordaremos el periodo de Gustavo Cerati desde Comfort y música para volar hasta Fuerza Natural.

 ¡No se lo pierda!

Por Pablo Mirlo

Publicado en Revista Pluma Roja Mayo 2016

Para más, visite revistaplumaroja.wordpress.com


Piedras negras * Pablo Mirlo

Piedras negras

Para escuchar, clic a la imagen o al reproductor debajo.

Letra: Piedras negras

 

Bajo por el puente
en forma de corriente.
Subo por el vientre
en forma de cadena.

Me presento,
al presente,
de mi siempre,
colgado de las mismas
piedras negras.

Y veo volar,
en espirales
mi mente.

Y veo brillar,
pupilas diferentes.

Por Pablo Mirlo

Licencia de Creative Commons
Piedras negras by Pablo Mirlo is licensed under a Creative Commons Reconocimiento-NoComercial-SinObraDerivada 4.0 Internacional License.


About a son

About a Son es el nombre del documental que, desde mi humilde punto de vista, mejor aborda el universo del emblemático líder de la banda estadounidense Nirvana: Kurt Cobain. La obra dirigida por Aj Schnack, basada en las entrevistas realizadas por el periodista Michael Azerrad para su libro Come as You Are: The Story of Nirvana, nos permite viajar en tres diferentes estados a conocer en mayor detalle la historia Kurt: estado musical, estado visual y estado mental. Y de esta manera, lograr una mayor comprensión de quién fuera el hombre detrás de los sonidos que marcaron a toda una generación.

ESTADO MUSICAL

Una de las cosas que destaca de este documental, es el especial trato que se le da a la banda sonora del mismo. La música presente, pese a no tocar una sola canción de Nirvana (lo más probable por no contar con los permisos necesarios) logra una conexión especial con el espectador, pues lo pone a la misma altura del protagonista. Tanto el espectador como Cobain, pasan a ser melómanos estudiosos de los artistas y sonidos de aquellos años. Además, la banda sonora nos permite también, adentrarnos en otro fenómeno: el viajar a los oídos de Cobain y vivir con él las anécdotas que nos va contando, como si estuviéramos sentados en el living de su propia casa.

Es así como, por ejemplo, cuando Kurt cuenta una anécdota de cuando acompañaba a su papá al trabajo, no podemos evitar sentir que estamos con él escuchando a Queen en la van de su padre. O cuando habla de unos de los covers que grabaron de Creedence Clearwater Revival, y de fondo, suena Up Around the Bend. Todos momentos preciados para el buen observador.

La música no es un mero adorno en este trabajo. Las letras de las canciones y sus autores, también son parte de la narración de la historia de Kurt, y mejor aún, nos transportan a los sonidos que inspiraron, provocaron y causaron curiosidad en la mente de un todavía, joven Cobain. Desde ese punto de vista, es valiosísimo el aporte musical de este documental, pues nos permite vivenciar el proceso creativo del artista, y desenvolver con él la madeja de lo que terminaría siendo expresado, finalmente, en su trabajo discográfico.

ESTADO VISUAL

Otro punto a favor de este documental, es la fotografía. Y es que About a Son no escatima en recorrer calles, puentes, librerías, callejones, carreteras, casas rotas, patios, veredas y árboles. Todos estos parajes permiten al espectador comprender en una dimensión visual, todo lo que Kurt presenció. Partiendo en Aberdeen, la ciudad natal de Cobain, para luego pasar por Olympia, y terminar en Seattle. Todas estas ciudades nos pintan una imagen de lo que fuera el entorno físico del músico, y cómo estos fueron moldeando su carácter a medida que los fue conociendo y dejando. La fotografía del documental se hace rica en paisajes nublados, lluviosos y de apariencia fría, todo los cual parece encajar muy bien con los sonidos crudos y afilados que terminarían saliendo como rayos de la guitarra de Kurt. En lo personal, disfruto mucho cuando en la pantalla ves las realidades que rodean al artista, pues sería fácil mostrar su mansión, o su vida tras el éxito. Pero no, en este caso, se muestra la crudeza del entorno; la vida antes del estrellato. Pienso que cuando se muestra la realidad de esta manera, se puede apreciar mucho más al artista y su trabajo final.

ESTADO MENTAL

Conocer a un artista –o cualquier persona– por lo que dice, y no por lo que dicen de él, pienso que es una de las grandes cosas que todos deberíamos hacer de vez en cuando si de verdad admiramos a ese artista o persona. En este aspecto, el documental cumple a cabalidad con ese propósito, pues no nos presenta un relato acerca de Kurt Cobain, o gente hablando de él. No, es Cobain mismo hablándole al espectador. Son sus palabras y reflexiones las que podemos oír, sin intermediarios. Esta forma de presentar al protagonista, obviamente, lo deja expuesto al escrutinio del público o sus críticos. Sin embargo, a diferencia de otros documentales, en este caso, el protagonista sabe que está siendo entrevistado, y como tal, dice lo que mejor le parece. Ya sea que esto pueda gustarle o no al resto, ya no es problema de él. Él solo presenta su verdad, su historia, sus temores, sus conflictos, en definitiva, su vida. Y ante eso, hay que agradecer este tipo de forma de presentar a Kurt, pues saber su opinión sobre el estado del rock (especial atención a su reflexión con respecto al estado el rock en 20 años más, es decir nuestro ahora. Su visión es totalmente certera). O su opinión con respecto a las drogas, el periodismo, el divorcio o la tecnología, por nombrar solo algunos ejemplos, resulta fascinante para el espectador si este pretende lograr una comprensión más profunda del artista y su trabajo. Pues detrás de cada obra siempre hay una gran razón o, tal vez, ninguna, pero eso queda a libre interpretación nuestra, no a lo que alguien más nos diga.

A 22 años de la partida Kurt Cobain, pienso que esto es una buena manera de seguir escarbando en los recovecos de su trabajo y encontrar nuevas gemas que nos sigan asombrando e invitando a comprender todo su universo –ya sea que este fuera de la Tierra o extraterrestre, tal y como a él le gustaba pensar– es un viaje al cual los fans de su trabajo, no pueden renunciar.

Por Pablo Mirlo

Publicado en Revista Pluma Roja Abril 2016

Para más, visite: revistaplumaroja.wordpress.com


La muralla de todos

Tengo una predilección especial por aquellos que no cantan a la alegría. Por aquellos que ven el mundo desde las grietas. Por aquellos que observan el espectro completo de los colores de los que se compone la existencia y no solo los colores cálidos. Tal es el caso de Roger Waters (bajista y compositor de Pink Floyd).

Cuando Pink Floyd –la banda que en sus inicios solo era conocida en los circuitos reducidos de la música y los bares londinenses– se convirtió en un fenómeno de ventas a nivel mundial, no significó para nada que la vida les estuviese sonriendo, ni que el navegar por las aguas del éxito les significará sanar todas las heridas del pasado y presente. Todo lo contrario, las exigencias de la industria, y la alienación que significaba vivir en el estrellato, les significaron y, de manera especial para Roger Waters, el hundirse en un mar de dudas, oscuridad, desesperanza y rabia.

Roger Waters
La vida de Waters no estaba marcada precisamente por lo que muchos llaman éxito. Su padre y abuelo les fueron arrebatados en plenas guerras mundiales (1 y 2 respectivamente). Como buen observador, Waters se percató de las injusticias, dolores y complejos que siembran en el sistema educativo. Y, además, sufrió la pérdida de un amigo en la figura de Syd Barret cuando este, sumido en la experimentación descontrolada con LSD, ya no era dueño de sí mismo –razón que le costó la salida de Pink Floyd–.

Pink Floyd
La vida y “éxito” de Pink Floyd tampoco era de lo mejor. Luego del multi-ventas The Dark Side of the Moon (1973), Waters tuvo que enfrentarse a la maquinaria devastadora de la industria musical que todo lo mercantiliza. Sus respuestas críticas a esta forma de hacer negocios quedaron registrados en los álbumes Wish You Were Here (1975) y Animals (1977), ambos testamentos de la disociación del ser humano y su parte humana, esta última, cada vez más cerca de las características de una máquina que la esencia propia de un ser vivo.
Sin embargo, pese a este descubrir de la maquinaria que todo lo consume, y plasmar esa idea en su trabajo, ni siquiera eso era algo que era percibido o comprendido por sus contemporáneos. La calma y la alegría, le seguía siendo esquiva.

Animals, la crítica, y el dinero
La publicación de Animals (1977) no fue muy bien recibida por fanáticos y críticos. La crítica arreciaba sobre sus últimos trabajos. Y aquellos que habían llegado hipnotizados por The Dark Side of the Moon, ya no disfrutaban del “nuevo” Pink Floyd. Además, la banda estaba sumida en unos líos legales que no la dejarían en muy buen pie económico. Las cosas no iban bien… No había dinero, ni apoyo.

Surge The Wall
Fue en este contexto que una idea comenzó a madurar en la mente de Waters. La idea de un álbum, película y gira. Una obra gigantesca y novedosa que constaría de estas tres partes, en las cuales expondría de manera abierta sus temores, miedos y visión apocalíptica de la sociedad como nunca antes y, de paso, resolvería los problemas económicos en los que estaba sumido junto a sus compañeros.

The Wall (muchísimo más que un álbum)
El resultado de esta idea salió a la luz en 1979, se llamó The Wall, eran un álbum doble, y que pretendía ser promocionado a nivel mundial con una gran gira (gira que no pudo realizarse en su totalidad por lo costoso del proyecto). La producción y composición corrió por casi completa cuenta de Roger. Y su logró máximo (en lo comercial) fue conseguido con el single Another Brick In the Wall, Pt 2.

Sin embargo, pese al éxito del álbum, es con la película de 1982, dirigida por Alan Parker, que la obra empieza a alcanzar niveles de hazaña épica, pues ya no es solo el contenido denso, y sonoro del álbum lanzado en 1979 el que lleva al oyente a un mundo a punto de rebalsarse de tanta injusticias y dolor, ahora, es la película la que permite visualizar ese mundo a través de las animaciones y actuaciones allí magistralmente presentadas.

La película
La película muestra la historia de Pink, un músico que a través de su vida es sometido a todo tipo de humillaciones, todas las cuales lo terminan obligando a construir una muralla para esconderse y refugiarse de todos. Pink, cuando niño perdió a su padre en el medio de una guerra sin sentido. Su madre lo sobreprotegió. En la escuela fue opacado por ser poeta. Su mujer lo dejó por otro hombre. Y por último, las drogas lo consumen, como el fuego al cigarrillo.

El resultado de todo esto es la muerte del hombre y el surgimiento de un personaje de características fascistas que termina sometiendo a todos a su alrededor, discriminando a lo diferente y aplastando a aquellos que piensan distinto.

La película en sí, tuvo una buena recepción entre los más fanáticos en esos momentos, sin embargo, nadie podía imaginar el nivel de alcance y vigencia que The Wall alcanzaría con el paso del tiempo. Y es que ¿Acaso se han dejado de pelar guerras? ¿Se ha dejado de explotar al hombre? ¿Se ha dejado de condicionar el desarrollo la de las habilidades de los niños en las escuelas? Lamentablemente, no. La visión desesperanzadora de The Wall sigue presente.

Admiración
¿Por qué admirar tanto la obra de Waters expresada magistralmente en The Wall?

Por lo siguiente:
Porque como si la realización de un álbum doble, la película, y una gira en los 80 no fuera suficiente, la mente incasable de Waters rescató la obra a comienzos de esta década, para el placer de todos los que la admiramos, y la convirtió en una gira y documental en la cual sigue expresando su sentir.

The Wall, el documental
Hace poco se estrenó el documental de la gira de The Wall realizada durante los años 2012 y 2013. Y bueno, uno no puede sino rendirse ante la magnificencia de la obra que aborda aún de manera más profunda lo planteado hace más de 35 años: Waters sigue luchando por cambiar el mundo.

Porque claro, todos ya intuíamos que la obra de The Wall, en realidad, era un trabajo autobiográfico más que una obra de un colectivo de músicos. La obra en sí era Waters (con algunas referencias a Barret, especialmente en la película) luchando contra la sociedad, los gobernantes y sus estúpidas guerras, la educación como sistema carcelario y la mercantilización de todo; el derrumbe de las relaciones humanas, la destrucción de la naturaleza y los más pobres. Pues bien, todo esto y más, queda registrado en el documental.

El viaje
Durante los 2 horas 12 minutos que dura el film, acompañamos a Waters en viaje que lo lleva de Inglaterra a Italia, más específicamente a la playa donde su padre cayó muerto en combate en la segunda guerra mundial. Durante el trayecto, también, Roger sostiene conversaciones con distintos amigos entorno a la guerra y sus experiencias. Todas conversaciones acompañadas de imágenes y música de los conciertos de la gira; elementos que aportan muchísimo en un viaje que se vuelve, a medida que pasan los minutos, cada vez más desolador. Todos estos detalles hacen sin duda, de esta obra, un documental que se hace indispensable para los amantes de la música y el arte como herramienta de combate.

Me deprimo y hago The Wall
Una de las cosas que más gusta de la obra de Roger Waters es su capacidad de canalizar sus frustraciones en cosas que trascienden lo personal. En la actualidad, mucha gente se deprime o sufre y su gran solución es ir y publicarlo en alguna red social. Waters, en cambio, agobiado por las deudas, la vida y la tragedia, va, se deprime, y sale con The Wall bajo el brazo. Si eso no es digno de admiración, no sé qué será.

The Wall, en definitiva, ilustra la muralla de todos. La muralla que debemos derribar para alcanzar una sociedad mejor, y la paz individual.

¡Larga vida a The Wall!

Por Pablo Mirlo

Publicado en Revista Pluma Roja Enero 2016

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Lejos * Pablo Mirlo

LejosClic a la imagen o al reproductor debajo

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Lejos

La misma que me cubría
a diario
me destapa y desvela
de lejos,
de lejos.

La que me abrigaba
me enfría
a diario,
con su palabras
anzadas al aire.

Y te espero
Y te espero
Y te espe…

La misma voz
la imagen difusa
en mi no hay lugar
por tanta espera

Voces que vuelan
de allá
hasta mí no me desvelan
no me sostienen.

Por Pablo Mirlo


Juguetes

Hoy me reconcilié con estos juguetes. Hace meses que nos los utilizaba. Hubo que sacarles algo del polvo que tenían encima, y como si de una lámpara mágica se tratase, frotarlos y dejarlos listos para liberar la magia. Hoy me reconcilié con viejas canciones, acordes y melodías. Se me había olvidado lo vivo que me hace sentir, hacer y tocar la música cuando esta brota libre de las cuerdas que pulso.

Por Pablo Mirlo

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Juguete 1: Guitarra Juguete 2: Amplificador Juguete 3: Pedal de efectos varios Juguete 4: Pedal de distorsión con feedback.


Soñé contigo * Pablo Mirlo

SOÑE CONTIGOPara escuchar, clic a la imagen

o

Play al reproductor debajo

http://www.ivoox.com/sone-contigo_md_8174478_wp_1.mp3″

El sol
Recorre tu boca
Al tacto
Mi piel se evapora.

Enséñame a olvidar
Cada sueño contigo
Cada beso
Cada paso.

Por Pablo Mirlo


Cielo gris * Pablo Mirlo

CIELO GRISPara escuchar: clic a la imagen o play en la barra de reproducción debajo.

http://www.ivoox.com/cielo-gris_md_4407274_wp_1.mp3″

Cielo gris

Volveré a tus brazos
a sentirme acompañado
luego de tanto tiempo
de vivir sin ti.

Un beso es un adiós,
un adiós es un beso.
Cuando te aman tanto
nada suena extraño.

Volveré,
a salir, junto a ti.
El parque, la plaza
o la playa, bajo un cielo gris.

Me esperarás con regalos
y solo mi corazón tendré envuelto.
Volaremos esa cinta
y tú y yo caeremos.

Cuántas caras me topé
y solo la tuya recordé.
En las paredes solo tus manos
en mi mente y en mis sueños…

Volveré,
a salir, junto a ti.
El parque, la plaza
o la playa, bajo un cielo gris.

Por Pablo Mirlo


El blog de Fabio

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